Biliana Vassileva, « Projet de recherche-création “ Drifting/À la dérive ” »

Drifting/À la dérive de l’ouest vers l’est…

Ce projet est centré autour des besoins de plusieurs artistes contemporains de développer des pratiques variables de « rencontre », d’inspiration et d’échange dans le champ interculturel de la danse. Il interroge plus précisément la posture académique des chercheurs et des chercheuses impliqués dans des projets de recherche création. Ceci implique la maîtrise de plusieurs savoirs théoriques, et des activités assidues d’immersion empirique en danse, en chorégraphie, en performance… Les exemples de pratiques artistiques de créativité interculturelle développés ici sont eux-mêmes le résultat de quelques rencontres significatives, avec des chorégraphes et des danseurs, qui mélangent des sources occidentales et asiatiques. Il s’agit d’un « bricolage » de techniques de danse, de processus d’apprentissage, et de transformations des répertoires locaux.

Je présenterai ensuite plus précisément ce processus de création, qui engage des savoirs interculturels en danse, dans le cadre d’un projet d’ancrage universitaire, Drifting/À la dérive¹. Celui-ci est construit sur le principe de métissage de références littéraires, d’arts visuels et d’explorations du mouvement dansé. Il permet d’analyser comment une « rencontre interculturelle » opère comme quête d’éclairage intuitif de soi, à partir de la description qu’en fait Fernando Pessoa dans Le livre de l’intranquillité : « Mon âme est comme un orchestre caché ; je ne sais pas quels instruments résonnent et jouent en moi, cordes et harpes, timbales et tambours. Je ne peux me connaître que comme une symphonie². »

Le projet Drifting/A la dérive, en développement depuis 2012, représente une série cohérente de courtes vidéos. Chacune d’elles est faite au cours des voyages sur le principe d’imprégnation par des pratiques performatives locales. Ainsi, je questionne également l’utilité de l’invention et l’établissement institutionnel d’une méthodologie de recherche création par usage créatif du concept de « rencontre interculturelle ». Ce type de méthodologie encourage des approches esthétiques de la recherche académique comme « practice as research » (pratique comme recherche). Le projet approfondit l’idée de la créativité en danse et dans le champ performatif par le biais de mouvements improvisés, et souvent d’une réaction très spontanée aux nouveaux environnements traversés en Occident et en Asie. Il est soutenu au niveau théorique par un processus de lecture et de documentation, plus particulièrement grâce au dossier « On Poetics and Performance » du journal Performance Research³.

Le projet, accompli par la production finale de courtes vidéos, par ses collaborations avec une artiste visuelle – Victoria Donnet, et avec un créateur sonore – Guillaume Tiger, trace la transformation d’images, les transitions entre lumière et obscurité, la vibration de la main qui filme, le geste artisanal qui capte les trajets imprévisibles des sensations nomades. Chaque vidéo est composée par dérives, qui conduisent à des rencontres interculturelles et à des possibilités renouvelées de se mettre en scène par une caméra fugitive. Il s’agit d’un mélange des réalités alternatives, construites par le travail du danseur/de la danseuse en voyage.

La genèse et les principes d’évolution du projet Drifting/À la dérive.

Le projet a débuté à Bali, avec la création d’un court documentaire, soutenue par la plateforme académique LangArts, essentiellement dédiée aux travaux de recherche en esthétique interculturelle comparative sur les liens entre Asie et Occident. Ce documentaire trace une collaboration avec la danseuse de répertoire traditionnel Debix Lupz Witha. Il est construit sur le principe de tranches explicatives ou poétiques, mais cette hybridité du projet, renouvelée par la suite, lui a rapidement donné une allure plus créative.

Bali Luwak, 2019

Le livre⁴ édité par LangArts en 2013 décrit les fondamentaux de cette quête qui vise à exprimer des idées académiques, liées à la recherche dans le champ artistique, d’une manière détaillée et précise, en tant que commentaire de ce travail.

Le projet s’est recentré de plus en plus sur le désir d’inventer de nouveaux langages en danse, pour une danse métissée entre les aires géographiques orientales et occidentales. Ces rencontres entre les cultures sont abordées comme émergence de mécanismes uniques de créativité, celle des chorégraphes et des danseurs. Ce travail se développe ainsi par des voyages et des terrains d’immersion, prolongés ou éphémères, ce qui permet de découvrir comment fonctionne l’alchimie créative par la méthode de « practice as research » (pratique comme recherche). Ce type d’approche m’a permis de me rapprocher au plus près de ces « melting pots » particuliers.

Certains aspects essentiels de cette méthodologie sont le travail avec des – et à partir de -sensations de mobilité, de renaissance et d’“étrange” en tant que ravissement, selon la définition de ce phénomène esthétique donnée par la philosophe des arts Marianne Massin⁵. Elle décrit le ravissement comme un moment très précieux d’oscillation, qui nous prive de nos soutiens perceptifs habituels. Un des défis que relève le projet est de capter et, si possible, de délivrer visuellement ce phénomène délicat et difficile à saisir par sa nature évasive.

Le théoricien et praticien en études du mouvement dansé Hubert Godard a décrit un fonctionnement similaire du « vertige », comme remède d’une névrose gestuelle, qui résulte de la répétition de gestes connus à l’infini, sans aucun changement ou nouveauté⁶. L’état de vertige, si bien connu dans le champ de l’anthropologie interculturelle, a également été un sujet d’études en linguistique, en témoignent les analyses de « récits de vie cinétiques », développées par la chercheuse suisse Guillemette Bolens. Elle propose le repérage du vocabulaire et d’expressions qui décrivent la perte de contrôle social du corps dans plusieurs chefs-d’œuvre de la littérature européenne comme une sorte de « vertige »⁷.

Dans le cadre de cette démarche, la collection des sensations de mobilité et l’élaboration d’une recherche structurée par une approche empirique sont étroitement liées à ma longue pratique de danseuse, au processus d’évolution de ma conscience kinésique, ainsi qu’à mes compétences techniques. Le processus de création est articulé autour de l’intention d’improviser, et de composer ensuite, par le biais d’un montage visuel, une narration qui est un ressenti kinesthésique plutôt qu’une pensée rationnelle. Collecter des sensations de renaissance permet aux images, liées aux émotions plus sombres, de se transformer en mouvance et de les dévier de leurs origines. Les vidéos deviennent des carnets de voyages, de journaux de mémoire sensorielle. Cette mémoire, comparée à des constructions de signification semble plus résistante dans le cadre de réalités culturelles alternatives… Parfois la physicalité même de l’image va au-delà de l’intention initiale, et fait avancer l’histoire par sa propre poétique : autrement dit le processus créatif possède des structures internes, dynamiques et génératrices de vitalité, plus proches du fonctionnement d’écriture de la poésie, que de celle de la prose… Ceci peut procurer une nouvelle raison et une nouvelle trajectoire pour le retour du voyage, par la déconstruction/reconstruction du point de départ ou son urgence.

Dans un voyage et sa transformation en vidéodanse, il n’y a pas de pression à tout capter, selon le principe de la flânerie de Baudelaire – se promener d’une manière nonchalante dans un environnement urbain ou autre, proche de l’état de “farniente”. Ce principe est préservé dans tous les volets du projet, et est la source de juxtapositions surprenantes d’images et d’imaginaires. La flânerie permet d’osciller entre des temporalités différentes et de condenser des espaces divergents. L’événement qui est décrit, par la suite, obtient un statut ambigu de fiction, composée d’éléments réels.

1. Drifting/À la dérive a été présenté par Its Liquid dans des expositions d’art contemporain en Italie (Bari), en Espagne et en Pologne, dans des festivals de performance – SIME (Semaine internationale de la musique électroacoustique) de l’université de Lille, Pile ou Frasque co-organisé par Le regard du cygne et Le générateur (Paris, mars 2019), dans des créations scéniques avec d’autres artistes contemporains (Kate McDonald, Guillaume Tiger…), dans des colloques pour la valorisation du patrimoine culturel, organisés par Territorialités françaises, par le Paris College of Art sur le thème de Contemporary Images Collection, le 29 avril 2019, (https://www.paris.edu/graduate-symposium-2019/) et dans le cadre d’autres événements, publications et communications de la plate-forme en recherche esthétique interculturelle LangArts. [↩]
2. Fernando Pessoa, 2002, [1982], The Book of Disquiet, trad. Richard Zenith, Penguin Classic, p.76. [↩]
3. Ric Allsopp, Kristen Kreider, 2015, « On Poetics and Performance », Performance Research, vol. 20, n° 1, Oxfordshire, Routledge, pp. 1-12. [↩]
4. LangArts, 2013, Notions esthétiques : résonance entre les arts et les cultures, Paris, L’Harmattan. [↩]
5. Marianne Massin, 2001, Les Figures du ravissement, Paris, Grasset. [↩]
6. Hubert Godard et Patricia Kuypers, 2006, « Des trous noirs », Nouvelles de danse, n° 53, Bruxelles,  Contredanse, pp. 56-75. [↩]
7. Guillemette Bolens, 2008, Le Style des gestes : corporéité et kinésie dans le récit littéraire, Lausanne, BHMS. [↩]